Triceratops es una formación creada por tres artistas cartageneros muy versátiles en sus respectivos instrumentos. Su inventiva como músicos y su capacidad para explorar diferentes estilos y estéticas sonoras les ha unido en un proyecto donde prima la música tradicional del oeste de África llevada a un ámbito moderno y actual.
El sonido tradicional del balafón, instrumento de Burkina Faso, interpretado por Emilio Saura, se mezcla perfectamente con la calidez del bajo eléctrico de Pablo Abellán, y las percusiones de Alejandro Solano, logrando una sonoridad que los convierte en un trio único.
Minimalismo, composiciones propias, transcripciones de temas tradicionales de Burkina Faso, Mali, Costa de Marfil, entre otros y jazz son algunos de los ingredientes de este trio ecléctico. A través de sus temas, Triceratops nos invitan a escuchar no solo la música, sino las historias no contadas, los significados más allá de lo visible.
La venta de entradas se realiza vía Whatsapp al teléfono de Mister Witt Café, 619 123 627. También se pueden adquirir directamente en Mister Witt Café. Las mesas se asignan por orden de compra. El aforo está limitado a 90 personas.
El Cartagena Jazz Festival rinde homenaje a Nacho Para, figura clave en la escena musical cartagenera y alma de la banda Bantastic Fand, quien dejó su huella en nuestro festival. Fallecido en diciembre del año pasado, Nacho fue mucho más que un músico: fue un narrador de emociones, un defensor de la música sincera y un apasionado de la vida. Su legado artístico y humano lo convirtió en una presencia imprescindible, tanto para la ciudad de Cartagena como para quienes valoran la música hecha con alma.
En este emotivo encuentro, músicos, periodistas y amigos personales de Nacho se darán cita para celebrar su memoria a través de sus canciones, sus textos y su espíritu. Será una velada de recuerdos compartidos, donde se pondrá en valor su obra y su forma de estar en el mundo: cercana, honesta y generosa. Una fiesta de la palabra y la música, como a él le hubiera gustado.
Bantastic Fand, su grupo de cabecera, liderado por Paloma del Cerro, Paco del Cerro, Carlos Campoy, Fernando Rubio e Iván Estefanía, se subirá al escenario acompañado de artistas invitados que reinterpretarán parte del cuidado repertorio de Nacho.
Y como él mismo solía decir, “no importa tanto dónde lleguemos, sino que el camino sea bonito”, una frase que resume no solo su trayectoria artística, sino también la forma en que vivió la vida.
FORMACIÓN:
PALOMA DEL CERRO, voz
FERNANDO RUBIO, guitarra eléctrica, armónica y voz
ROMÁN GARCÍA, bajo y voces
JACINTO MARTOS, bajo y voces(músico invitado)
CARLOS CAMPOY, piano, organo y voces
IVÁN ESTEFANÍA, guitarra eléctrica, mandolina y voces
PACO DEL CERRO, batería y voz
JOSE DEL CERRO, percusión
RAMÓN GARCÍA, piano(músico invitado)
Paco de Lucía Legacy es un proyecto único que rinde homenaje al genio universal del flamenco desde una mirada contemporánea, reuniendo a grandes músicos que compartieron escenario y vivencias con él. El espectáculo celebra su legado con una fusión vibrante de flamenco, jazz y músicas del mundo, reflejando la visión innovadora y abierta que siempre caracterizó al maestro.
Este emotivo espectáculo cuenta con un elenco excepcional que incluye a intérpretes de primer nivel, todos ellos fundamentales en la revolución sonora que Paco impulsó. A través de composiciones emblemáticas, improvisaciones y nuevas creaciones inspiradas en su arte, Paco de Lucía Legacy no solo revive la música del genio de Algeciras, sino que también transmite su espíritu de libertad y su capacidad para trascender fronteras.
Josemi Carmona (guitarra
Chano Domínguez (piano)
Duquende (cante)
Farru (baile)
Antonio Lizana (saxo y cante)
Jony Losada (bajo eléctrico)
Israel Suarez "Piraña" (cajón)
Juan Habichuela Nieto (guitarra)
Antonio Sánchez (guitarra)
Con base en la trimilenaria Cartago, inasequible al desaliento, esta formación lleva desde tiempo inmemorial propagando las hoy casi olvidadas vibraciones de esa fusión desacomplejada de R&B, proto-soul, y unas gotas de sudor latino que a mediados del pasado siglo emanaban de las poderosas gargantas de Reinas como Etta James, Ruth Brown, o la Diosa de este grupo, la inconmensurable Big Maybelle... Gigantes tanto en su arte como en corpulencia física, eran mujeres de armas tomar, "apañeàndose" de igual a igual en un mundo de hombres: hoy se les diría empoderadas...
Con la extraordinaria, versátil voz de Leonor Vida (a veces jazzy, grasienta otras) y el poderoso tenor de Pedro Cánovas Medina como las principales señas de identidad de su sonido, abordarán, junto a las finas guitarras de Eduardo Lucas, el poderoso contrabajo de Sergio "Joe" Celdrán, las suculentas baterías de Gonzalo De La Rocha y los deliciosos pianos de Sergio Fuentes, un repertorio que combina joyas oscuras y estándares reglamentarios, enfocado a que inconscientemente chasquees los dedos y sigas el ritmo con la punta del pie...
¡Música negra para poner culos blancos en movimiento!!!
Como dice la banda SHAKE YOUR HIPS WITH LUCKY LIPS!!!!
En el panorama musical contemporáneo, pocas bandas han sabido conjugar con tanta naturalidad la emoción visceral con una arquitectura sonora tan cuidada como Morgan. Su regreso a los escenarios con un nuevo trabajo discográfico marca un punto de inflexión en su evolución artística, consolidando un lenguaje propio donde confluyen el soul, el rock alternativo y una sensibilidad compositiva profundamente humanista. Lejos del efectismo, Morgan construye una narrativa sonora que apela a lo esencial: la honestidad, la belleza y la búsqueda de una expresión auténtica.
Con la voz de Nina de Juan como eje magnético —capaz de transitar con igual solvencia la melancolía íntima y la expansión emocional—, el grupo despliega en su nuevo álbum una paleta de texturas más compleja, abierta a nuevas influencias, sin renunciar a esa atmósfera cálida y emocional que los define. El equilibrio entre lo introspectivo y lo expansivo, entre lo sutil y lo poderoso, sitúa a Morgan en un lugar singular dentro del circuito musical español, donde lo popular no está reñido con la profundidad artística.
Con el jazz punk por bandera, Gilipojazz se desmarca totalmente de la escena musical con su estilo frenético de abordar humor y virtuosismo a partes iguales. En 2024, lanzan su segundo LP “Progresa Adecuadamente”, con el que quieren dar un salto más, tanto a nivel nacional como fuera de nuestras fronteras.
El trío madrileño Gilipojazz vive su mejor momento: su gira Progresa Adecuadamente está arrasando con sold outs en ciudades como Barcelona, Bilbao, A Coruña y Zaragoza, y un inolvidable lleno total en Madrid, en la Sala Shoko, ante 800 personas.
Con un estilo único que mezcla jazz, rock, funk, groove, metal y humor, el grupo ofrece un show explosivo y teatral que ha conquistado al público y la crítica. Nominados a tres Premios de la Música, en breve comenzarán la gira internacional que recorrerá países como México, Dinamarca, Alemania, Bulgaria, Suiza o Francia.
Un fenómeno musical tan virtuoso como irreverente, que pisa fuerte dentro y fuera de nuestras fronteras.
Dotada de una voz que parece surgir de un tiempo suspendido entre el soul clásico, el jazz vocal más elegante y el R&B contemporáneo, Kandace Springs encarna una de las propuestas más refinadas y personales de la escena internacional. Discípula espiritual de Nina Simone —quien la elogió por su capacidad para hacer que “suene como ella misma”—, Springs se ha consolidado como una artista capaz de rendir homenaje a las grandes damas del jazz sin caer en la imitación, apostando siempre por una identidad sonora que es, al mismo tiempo, sutil y poderosa, sofisticada y emocionalmente directa.
Su paso por el Cartagena Jazz Festival nos ofrece la oportunidad de adentrarnos en un universo sonoro en el que conviven el lirismo del piano, el fraseo jazzístico y una voz que habita cada nota con profundidad. En su propuesta se funden tradición e innovación, memoria e impulso creativo, configurando una experiencia estética que apela tanto a la sensibilidad como a la inteligencia del oyente. Springs no interpreta canciones: las habita, las transforma, las convierte en revelaciones íntimas cargadas de luz y sombra.
La fusión explosiva entre el bajista brasileño Choby Scheufler y la cantante española Leyre Perrino ha dado vida a una expresión musical única. Combinan la riqueza de la música brasileña con la pasión del flamenco y el jazz, reinventando así canciones icónicas de sus respectivos países con una sonoridad fresca y cautivadora.
Choby Scheufler, bajista mexicano/brasileño, ha trabajado con músicos de renombre internacional como Jesús Molina Acosta, ganador de seis premios Grammy, Lulo Perez (productor Alejandro Sanz), Tomasito, Carles Benavent, Niño Josele, Antonio Serrano, Mr.Kilombo, Tu Otra Bonita, Sara Calero, Victor Wooten, Simon Shaheen, entre otros. A través de estas colaboraciones, ha desarrollado un estilo distintivo e innovador en la ejecución del bajo.
Leyre Perrino es una artista multidisciplinaria originaria de Vitoria y actualmente radicada en Madrid. Apasionada por diversos géneros musicales y graduada en interpretación en la Escuela Nancy Tuñon y Jordi Oliver de Barcelona, se ha destacado como una formidable intérprete de canciones.
La venta de entradas se realiza vía Whatsapp al teléfono de Mister Witt Café, 619 123 627. También se pueden adquirir directamente en Mister Witt Café. Las mesas se asignan por orden de compra. El aforo está limitado a 90 personas.
Ife Ogunjobi es un músico londinense de padres nigerianos, cuya música es una fusión de los sonidos que lo rodearon. Criado en el sureste de Londres, su entorno ha enriquecido su música con diversos géneros como el jazz, el afrobeat y el hip-hop. Influenciado por artistas como Fela Kuti, Erykah Badu y Roy Hargrove, su concepto musical rompe las barreras entre los diferentes géneros musicales y plasma su sonido auténtico.
El EP debut de Ife, "Stay True", lanzado el 14 de septiembre de 2023, lo muestra fiel a sus raíces y su formación. Combina influencias de Fuji y Afrobeats de su herencia nigeriana con elementos de jazz y hip hop que influyeron en su formación londinense. Este EP vibrante y dinámico se basa en ser uno mismo sin complejos a través de melodías triunfantes y estimulantes, ritmos estimulantes, solos virtuosos y ritmos irresistibles.
Figura clave en la historia del jazz latino, Paquito D’Rivera ha construido una de las trayectorias más deslumbrantes y versátiles del panorama musical global. Clarinetista y saxofonista virtuoso, compositor inclasificable y narrador sonoro incansable, D’Rivera ha sabido derribar fronteras entre géneros, fusionando con maestría el jazz, la música clásica, el bebop y las tradiciones afrocubanas. Su música no solo deslumbra por el dominio técnico, sino por una inteligencia musical que dialoga con la historia y con el presente desde la libertad creativa.
Su presencia en el Cartagena Jazz Festival es mucho más que la visita de una leyenda: es la celebración de una vida dedicada a explorar, con humor y rigor, las posibilidades infinitas del sonido. Cada concierto suyo es un recorrido vital, una travesía por paisajes rítmicos y melódicos donde la improvisación convive con la estructura, y donde el virtuosismo nunca eclipsa la emoción. Escuchar a Paquito D’Rivera es asistir a una clase magistral de música en movimiento, viva, porosa y profundamente humana.
Cash in the Hat se formó en el año 2023 pasando de ser formato dúo (piano y voz) a formato trío (piano , voz , armónica ) para ,finalmente, pasar a ser una banda con piano, voz, guitarra, dobro, armónica y batería.
Integrantes:
Tony Roy (Pianista):conocido por su interpretación emotiva y versatilidad. Ha recorrido Europa con varios proyectos a lo largo de su carrera.
Esperanza Lamet (vocalista): Sus matices en las interpretaciones son características de esta artista con varios proyectos musicales .
Kike Marqués (Vocalista, guitarrista, armonicista): Más de 20 años de experiencia avalan su calidad musical .
Adolfo Vázquez: (bajista): profesor de música y bajista en diferentes proyectos actualmente.
Juan Ignacio Sánchez : baterista amante del jazz y del blues sureño, combina maestría con matices llenos de color.
En la música, como en otras formas de expresión artística, todos nosotros somos viajeros, y lo que nos mueve es la trascendencia- una cualidad que impregna esta magistral obra de Gustavo Santaolalla. Escuchar “Ronroco” es una experiencia transformadora, de aquellas que nos marcan la vida con un antes y un después: al mismo tiempo que el disco nos transporta a un territorio desconocido, nos ofrece también un profundo sentido de pertenencia. Gracias a él se arraigó en mí la percepción de pertenencia a un lugar, Sudamérica. Sin embargo, al extender las fronteras de la latinidad, su carácter universal hace más complejo y multifacético este sentido de identidad. No en vano, canciones como “De Ushuaia a la Quiaca” dieron la vuelta al mundo. Prosa y poesía, obra espiritual y experimental, personal y universal, “Ronroco” es una prueba de la genialidad de un artista incansable en la búsqueda de sus raíces. Qué suerte para nosotros, ¿no?
FORMACIÓN
Gustavo Santaolalla: ronroco, charango, guitarra, cuencos y tubos
Javier Casalla: violin, viola y charango
Juan Luqui: guitarra, charango, ronroco y autoharp
Barbarita Palacios: tambura, bombo legüero, glockenspiel, autoharp, guitarra y harmóniica
Nicolás Rainone: cello y guitarra
Artista de musicalidad extraordinaria, Al Dual es un artesano que sabe rescatar fielmente sonidos procedentes de épocas primigenias de la música americana. Ha colaborado con grandes artistas como Ariel Rot, Paul Pigat, Chris Casello, Lisa Pankratz, Tommy Harkenrider, Chan Romero, Eddie Nichols y Mike Sanchez, entre otros.
Precursor de la guitarra Rockabilly & Country en el mundo, Al Dual es uno de los artistas patrios con más reconocimiento en la escena internacional del Rock n ́ Roll clásico. Durante años de trabajo y afianzamiento de diversas técnicas, Dual ha pasado a consolidarse como uno de los más completos guitarristas de este género, obteniendo un puesto en el Olympo de la guitarra Twang junto a músicos de la
talla de Eddie Cochran, Bo Didley, Chet Atkins o Duane Eddy con los que comparte un lugar privilegiado como endorser y embajador de la marca internacional Gretsch Guitars.
Considerado uno de los músicos más singulares y deslumbrantes de la escena internacional, Tigran Hamasyan destaca por su capacidad para fusionar el jazz contemporáneo con la tradición musical armenia, el rock progresivo, la electrónica y la improvisación más libre. Ganador del prestigioso Thelonious Monk International Jazz Piano Competition, su trayectoria lo ha llevado a actuar en los mejores escenarios del mundo, desde Montreux a Nueva York, siempre con un estilo propio e hipnótico.
A lo largo de su carrera ha publicado álbumes esenciales como A Fable, Mockroot o The Call Within, donde explora con profundidad tanto sus raíces culturales como las posibilidades técnicas y emocionales del piano. En sus obras más recientes, Hamasyan ha incorporado coros, música sacra armenia y estructuras casi cinematográficas, consolidándose como una voz única dentro del jazz contemporáneo más vanguardista.
FORMACIÓN:
Tigran Hamasyan, Piano y voz
Yessai Karapetian, Piano y Playback
Marc Karapetian, bajo
Matt Gartska, batería
El espectáculo presenta una propuesta que trasciende etiquetas, a menudo clasificada como flamenco fusión con jazz, aunque su creador prefiere no encasillarla: no se trata de una fusión premeditada, sino del resultado natural de un recorrido vital y musical, impregnado de aprendizajes diversos. El resultado es música en estado puro, con identidad propia. El repertorio recorrerá varios estilos tradicionales del flamenco, bulerías, alegrías, tangos y rumbas, siempre teñidos de un sutil y elegante toque jazzístico.
La venta de entradas se realiza vía Whatsapp al teléfono de Mister Witt Café, 619 123 627. También se pueden adquirir directamente en Mister Witt Café. Las mesas se asignan por orden de compra. El aforo está limitado a 90 personas.
Matthieu Saglio - cello & composición
Gracias a un sonido inmediatamente reconocible y a su gran versatilidad, Matthieu Saglio se ha dado a conocer como uno de los violonchelistas más apasionantes de su generación. De formación clásica, es uno de los precursores de la introducción del violonchelo en el flamenco con el grupo Jerez-Texas, con el que ha actuado en 25 países durante 20 años. En paralelo, Matthieu suele trabajar en proyectos muy variados, en sólo o en grupos así como colaboraciones con numerosos artistas. En el 2015, crea el trío NES con el que ha girado de manera muy intensa por Europa. El disco 'Ahlam', publicado por el prestigioso sello alemán ACT en el 2018 ha recibido los elogios unánimes de la crítica internacional y cerca de 3 millones de escuchas en Spotify. En el 2020, Matthieu publica el disco 'El camino de los vientos', de nuevo con el sello ACT, en el cual cuenta con la colaboración de músicos referentes del jazz europeo. Este disco ha recibido los elogios de la crítica internacional y 8 millones de escuchas en Spotify. Su faceta de compositor ha sido solicitada a menudo para bandas sonoras de teatro, danza y documentales. El eje director de la carrera de Matthieu siempre ha sido intentar que su violonchelo consiga dialogar con otras culturas. De esta manera, ha sido nombrado artista embajador de la Fundación Internacional Yehudi Menuhín.
Christian Belhomme - piano & teclado
Músico autodidacta y colorista, su gusto por los encuentros y los viajes así como los numerosos proyectos profesionales en los cuales ha participado le han permitido ampliar su elenco sonoro hacia un eclecticismo reivindicado. Desde el 2013, forma parte del quinteto del percusionista y compositor Steve Shehan. Es miembro también del cuarteto de blues de Norbert Galo & friends y pianista y actor en la compañía Marie Ruggeri. En paralelo a los escenarios, ha desarrollado su faceta de compositor para el teatro, la radio, la danza contemporánea y ha realizado las bandas sonoras de varios corto-metrajes y documentales como "Secrets de longévité" de Sylvie Gilman y Thierry de Lestrade y "l'Âme silencieuse" de la directora Françoise Dexmier.
Léo Ullmann - violín
Léo Ullmann empieza a estudiar el violín con cuatro años. Empieza sus estudios musicales en el Conservatoire du 10ème arrondissement de París en la clase de Julien Dieudegard, dónde adquiere las bases técnicas y la pasión por seguir más lejos. En junio del 2016, después de cinco años de estudios, acaba brillantemente su formación en el "Koninkjlijk Conservatorium" de Bruxelles en la clase de Valéry Oïstrakh. En junio del 2017, consigue el título Master2 de pedagogía. Durante su aprendizaje, ha participado en máster-class con Laurent Korcia, Dong-Suk Kang, Pavel Vernikov, Philippe Graffin, Sarah Nemtamu, Stephan Picard, el Quatuor Talich... En paralelo a su carrera de clásico, se apasiona por la música zíngara y el jazz. Actualmente actúa de forma habitual con el mítico violinista húngaro Roby Lakatos y su banda Budapest, con la que ha podido viajar a Bélgica, Italia, Alemania, Holanda, Francia, Hungría, Croacia, etc.
Zé Luis Nascimento
Zé Luis Nascimento, virtuoso percusionista brasileño, es originario de Salvador de Bahía. Como solista y asistente de dirección musical, recorre el mundo con el Ballet Folklórico de Bahía, donde se formó.
Al llegar a Francia en 1996, se familiarizó con los estilos de percusión orientales y occidentales y desarrolló un vocabulario rítmico profundamente original que combina una amplia variedad de instrumentos, los cuales une en un discurso musical de gran coherencia.
Ya sea en el escenario o en el estudio, colabora con artistas como Titi Robin, Mayra Andrade, Ayo, Césaria Evora, Grace & the Spiritual Riders, Jean-Luc Ponty, Al Di Meola, Sixun, Tania Maria, Lokua Kanza, Oumou Sangare, Tété, Souad Massi, Vladimir Cosma, Michel Legrand, Céline Rudolph, Jaques Morelenbaum, Georges Moustaki, entre otros.
Afirma, sobre todo, que su objetivo es "servir a la música". Inspirado, elegante y potente: así podría definirse el universo musical de Zé Luis Nascimento.
FORMACIÓN:
Matthieu Saglio: violonchelo, composición
Christian Belhomme: teclado&piano
Léo Ullmann: violín
Ze Luis Nascimento: percusión
El encuentro entre Dorantes y Moisés P. Sánchez supone una de las propuestas más audaces y estimulantes del panorama pianístico contemporáneo. Dos universos creativos singulares, profundamente arraigados en tradiciones distintas —el flamenco y el jazz, respectivamente—, se cruzan aquí no para confrontarse, sino para dialogar desde la libertad, la escucha y el riesgo artístico. Lo que emerge de ese cruce es una música que escapa a las etiquetas, que respira con un pulso propio, hecha de contrastes, resonancias compartidas y exploraciones mutuas.
En este proyecto, el piano se convierte en un espacio de revelación y frontera, donde se conjugan la pulsión rítmica del compás flamenco con la elasticidad armónica y la riqueza improvisatoria del jazz contemporáneo. Dorantes y Sánchez no solo interpretan: construyen en tiempo real un mapa sonoro en el que conviven la raíz y la vanguardia, el lirismo y la fuerza, la estructura y el asombro. Su actuación en el Cartagena Jazz Festival promete ser una experiencia de alta intensidad artística, donde el virtuosismo está al servicio de una idea mayor: la música como territorio de encuentro, transformación y belleza
The Sentimental Gentlemen es una formación creada en Madrid en 2022 para tocar exclusivamente música Swing de los años 1930 y 1940 en el estilo de los conjuntos de la época (Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington y un largo etcétera de artistas). Su repertorio (más de 90 temas) está cuidadosamente
seleccionado y arreglado para la comunidad de bailarines de Lindy Hop y Balboa, que disfrutarán de un directo lleno de energía, sutileza y, ante todo, toneladas de swing.
Con una voz que susurra más que impone, Stacey Kent ha hecho de la sutileza su seña de identidad, cultivando una estética en la que cada palabra y cada silencio cobran un peso emocional extraordinario. Su aproximación al jazz vocal se aleja de la grandilocuencia para abrazar lo íntimo, lo narrativo, lo melódicamente contenido. Cantante políglota —capaz de moverse con igual delicadeza en inglés, francés o portugués—, Kent construye un universo donde la canción se convierte en confidencia, en paseo melancólico, en literatura hecha música.
Acompañada por una formación exquisita y por los arreglos de su colaborador habitual, el saxofonista y compositor Jim Tomlinson, Stacey Kent transita un repertorio que va del Great American Songbook a la chanson francesa, pasando por bossa nova y composiciones originales de alta sensibilidad poética. Su regreso al Cartagena Jazz Festival es una invitación a la escucha atenta y al recogimiento, a dejarse envolver por una voz que no necesita alzar el tono para conmover profundamente. Un concierto que promete belleza en estado puro, sin artificios.
Desde su formación en 2011 en Murcia, Perro ha sido uno de los proyectos más especiales de la música independiente en castellano. Con un universo propio e inimitable, construyeron un imaginario creativo que los distinguió desde el principio, siendo divertidos, sarcásticos y carismáticos. Consolidaron su formación con dos baterías, guitarras, sintetizadores y voces, creando una mezcla de pop, kraut, rock y sonidos tropicales.
Su disco debut, 'Tiene bacalao, tiene melodía' (2013), los situó en el mapa con canciones como ‘La reina de Inglaterra’ y ‘Marlotina’. Su segundo álbum, ‘Estudias, navajas’ (2015), y el tercero, ‘Trópico lumpen’ (2018), ampliaron su originalidad y su popularidad.
Tras un receso en 2019, regresan en 2024 con el disco ‘¿Te acuerdas?’, grabado con su potente prisma sonoro y letras inteligentes, mostrando una vuelta a sus orígenes que ha sido recibida con entusiasmo.
Cécile McLorin Salvant es, sin lugar a dudas, una de las voces más fascinantes e inclasificables del jazz vocal contemporáneo. Ganadora de múltiples premios Grammy y heredera espiritual de figuras como Billie Holiday, Sarah Vaughan o Abbey Lincoln, ha llevado el género más allá de sus límites tradicionales, dotándolo de una profundidad teatral, una carga intelectual y una expresividad escénica que la sitúan en una liga propia. Su voz —fértil en matices, capaz de la ironía, el dramatismo y la ternura más desarmante— se convierte en instrumento narrativo al servicio de un repertorio que va del cabaret europeo al folk afroamericano, de la canción francesa al art song.
Cada actuación de McLorin Salvant es un acto de creación y de reinterpretación: no solo canta, sino que construye mundos. En el Cartagena Jazz Festival, su presencia representa una oportunidad única de presenciar cómo la tradición se reinventa desde la inteligencia artística, el riesgo y la autenticidad. Más allá del virtuosismo vocal, lo que deslumbra en Salvant es su capacidad para interpelar al oyente con una propuesta rica en capas, referencias culturales y emoción profunda. Una artista total que convierte cada concierto en una experiencia tan musical como existencial.
FORMACIÓN:
Cécile McLorin Salvant, voz
Sullivan Fortner, piano
Yasushi Nakamura, bajo
Kyle Poole, batería
Portal realizado por Nuevas Tecnologías del Ayuntamiento de Cartagena © 2026
C/ San Miguel, 8. 30201 Cartagena (España), Teléfono. (+34) 968 12 88 00.
Web optimizada para Internet Explorer 9 o superior, Firefox, Opera, Safari y Chrome.
Compatible para pantallas de escritorio, tablets y dispositivos móviles.
Mapa web | Aviso Legal | Política de Privacidad | Política de Cookies | Accesibilidad
Oficina del Festival
Centro Cultural Ramón Alonso Luzzy
C/Jacinto Benavente, 7. 30203 Cartagena, ESPAÑA. Tel: 968 12 88 13.
Los portales de internet del Excmo. Ayuntamiento de Cartagena únicamente utilizan cookies propias con finalidad técnica, no recaban ni ceden datos de carácter personal de los usuarios sin su conocimiento. Sin embargo, contienen enlaces a sitios web de terceros con políticas de privacidad ajenas a las de dichos portales del ayuntamiento que usted podrá decidir si acepta o no cuando acceda a ellos.
