Biografías de los artistas

Nacido en Cartagena en 1995, Alejandro Solano comienza sus estudios musicales en el seno de la Agrupación Musical Sauces, finalizando sus estudios de grado profesional en el Conservatorio Profesional de Música de Cartagena con Antonio Sola el año 2018 en el Conservatorio Superior de Música “Óscar Esplá” bajo la tutela del catedrático Juan Iborra. Amplía sus estudios de percusión flamenca con Israel Suárez (Piraña), Paquito González, Ramón Porrina, Bandolero y José Montaña. Muy ligado al mundo del flamenco destaca el Primer Premio “Premio Filón ”que gana en el año 2019 en el concurso internacional para instrumentistas flamenco de el Festival internacional de l Cante de las Minas en La Unión. Es percusionista habitual del cantaor flamenco Curro Piñana, con el que ha actuado en el Festival Internacional de Música Sufí en Fez, Marruecos, en 2014; en el Jerash Festival for Culture & Arts en Jordania, en 2015 y en el Festival des Andalousies Atlantiques en Marruecos, 2018.Es percusionista de la compañía de baile Cante de las Minas en su espectáculo “Alma Minera”, de la compañía de baile Ángel Manarre en su espectáculo “Tierra, Flamenco y Voz, en la compañía de Cristóbal Muñoz en “Los 3Puntales” y en el ballet flamenco de la Región de Murcia con “Lo comío por lo sentío”.

Salvador Sobral (Lisboa 1989), sorprendió al mundo en 2017 ganando para Portugal el Festival de Eurovisión con la mayor puntuación jamás obtenida por ningún artista (todavía hoy), y con una canción sin ningún tipo de aderezo, como baile, luces o pantallas. "Amar pelos dois", compuesta por su hermana Luisa, se alzó con el prestigioso galardón, mientras el intérprete pasaba por sus peores momentos de salud, ya que estaba en lista de espera de un trasplante de corazón, que llegó meses más tarde, casi sobre la bocina.
Ahora, Salvador Sobral viene por segunda vez a Cartagena a presentar su último disco, Timbre. Un artista del que Caetano Veloso ha dicho que «es más, mucho más que Eurovisión. Conoce la grandeza del arte. Para mí, uno de los mayores cantantes del mundo que existen».
  

Es difícil sonar más cool que Theo Crooker. Este trompetista, compositor y vocalista nacido en Florida en 1985 lleva años haciendo auténticas virguerías con el soul, el r’n’b, el jazz, el hip hop o la electrónica como coartadas. Algo le viene de casta, desde luego, porque su abuelo fue el histórico trompetista Doc Cheatham, alumno aventajado de Louis Armstrong. Crooker es uno de los nombres más destacados de la más reciente hornada jazzística que se está cociendo en la escena de Nueva York. Las diferentes corrientes y épocas del jazz, desde el swing hasta el groove eléctrico integran las múltiples capas de su propuesta sonora tan fiel a la tradición como exploradora de nuevos conceptos. Después de viajar medio mundo como miembro de la banda de Dee Dee Bridgewater, se presenta por primera vez en Cartagena. Sus discos son de una elegancia y una contemporaneidad supremas, aderezados con las colaboraciones de Jill Scott, Ari Lennox, J. Cole, Jamila Woods o Wyclef Jean. 
 

Yerai Cortés (Alicante, 1995) pertenece a esa nueva generación de artistas que están llevando el flamenco a territorios ignotos y excitantes. A pesar de su juventud, posee ya una vasta trayectoria que le ha llevado a colaborar con artistas de los más diversos géneros: desde renovadores y transgresores del flamenco como Rocío Molina, hasta músicos de distintas latitudes como Judeline, Ralphie Choo, Lola Índigo o C. Tangana, a quien ha acompañado en su ya mítica gira “Sin cantar ni afinar”. Tras haber participado en Nueva York en el festival Legacy de homenaje a Paco de Lucía, con su próximo espectáculo, “Guitarra coral”, Yerai Cortés logrará expandir los límites del flamenco hasta el infinito y más allá.

Cuando parecía imposible que el talento de Fernando Rubio (Cartagena, 1964) rebosara la copa, ha llegado la gota que la ha colmado, y ha sucedido la magia de esta bendita locura que es la música, escrita con la garra que impone toda una vida en los escenarios, forjada a fuego y tocada con el alma.
El suculento licor causante de este derroche armónico, es un disco titulado Stay Cool, que Fernando presenta con su banda, The Inner Demons, los espléndidos músicos que le acompañan desde hace años: Paco Del Cerro (batería), Joaquín Talismán (guitarra) , Carlos Campoy (teclados) y Román García (bajo), responsable además de la cuidada y elegante presentación gráfica del nuevo álbum.

La magia del jazz se encuentra en su capacidad de evolución y adaptación, algo que el virtuoso guitarrista Pat Metheny ha demostrado a lo largo de su impresionante carrera. Su participación en el Cartagena Jazz Festival no es solo un concierto más, sino una celebración de la innovación y la tradición dentro del mundo del jazz. Metheny es una figura icónica cuya música ha trascendido generaciones y géneros, ofreciendo a los asistentes una experiencia única e inolvidable. 
Pat Metheny es un nombre que resuena con fuerza en el mundo del jazz. Con una carrera que abarca más de cinco décadas, Metheny ha sido galardonado con 20 Grammys, destacándose por su habilidad para mezclar el jazz, el swing y el blues. Su enfoque innovador en la música lo ha llevado a reinventar el sonido de la guitarra de jazz, influenciando a innumerables músicos en el camino.
Nacido en 1954 en una familia de músicos, Metheny se inició en la música a los 8 años con la trompeta, pero pronto encontró su verdadera pasión en la guitarra. A los 15 años, ya estaba trabajando con algunos de los nombres más destacados del jazz en Kansas City, lo que marcó el comienzo de una carrera legendaria.
En 1976, Metheny lanzó «Bright Size Life», su primer álbum instrumental, que revolucionó el sonido tradicional de la guitarra de jazz. Desde entonces, no ha dejado de explorar y evolucionar, colaborando con artistas de la talla de Carlos Santana, Antonio Carlos Jobim, Ornette Coleman y John Scofield.
La capacidad de Metheny para fusionar estilos, implementar nuevas tecnologías y, al mismo tiempo, respetar la tradición del jazz, ha cimentado su posición como uno de los músicos más influyentes del género. Su música no solo atrae a los aficionados al jazz sino que también abre la puerta a nuevos oyentes, ampliando así el alcance de este género musical.
Pat Metheny es más que un guitarrista; es un innovador, un explorador del sonido y un verdadero icono del jazz. Su concierto es una cita obligada para quienes desean experimentar la evolución del jazz de primera mano. A través de su música, Metheny no solo comparte su visión del mundo sino que también invita a los oyentes a un viaje sonoro que trasciende las barreras del género. Una oportunidad para sumergirse en la profundidad y la belleza del jazz, de la mano de uno de sus más grandes maestros.

La portada de Bark out thunder roar out lightning (2023) muestra a Chief Xian aTunde Adjuah, el nombre que el antes conocido como Christian Scott ha elegido en homenaje a sus ancestros, vestido con traje ceremonial y un tocado de plumas típico de los indígenas norteamericanos. El sobrino del gran saxofonista Donald Harrison recuerda así a una minoría históricamente segregada: los indios negros, africanos que se refugiaban en los siglos XVIII y XIX en las naciones indias para huir de la esclavitud. Chief Adjuah es ahora un gran jefe de un grupo indio negro, la Nación Xodokan, fue nombrado el pasado julio Gran Griot de Nueva Orleans y sintetiza en su nuevo disco las tradiciones del África Occidental con su enfoque vanguardista del jazz y con las raíces musicales de su ciudad de origen, Nueva Orleans. En Bark out thunder roar out lightning canta y aparca su habitual trompeta por un puñado de instrumentos de fabricación propia, incluido uno bautizado como Chief Adjuah’s bow que combina el n’goni y la kora africanos con el arpa europea.

Nacido Christian Andre Scott en 1983, Adjuah empezó a tocar la trompeta y a grabar con su tío Donald Harrison. Debutó en solitario en 2006 con Rewind that, al que siguió en 2007 Anthem, apasionada respuesta al sufrimiento de sus paisanos tras el huracán Katrina. Rápidamente destacó por un poco ortodoxo estilo de post-bop que combinaba jazz modal, fusión eléctrica, post-rock, influencias del hip-hop y de su Louisiana natal, una mezcla que él denomina ‘stretch music’, esto es, ‘música elástica’. Su ambición y curiosidad se concretó en Christian aTunde Adjuah (2012), primera vez que usó su nombre africano, y sobre todo en Stretch music (2015), álbum aún más experimental, con retazos de hip-hop sureño, techno, dub y house. Su comprometido The centennial trilogy (2017), Ancestral recall (2019) y Axiom (2020) son otros notables peldaños de su carrera.

Ver a Robben Ford subir al escenario es una experiencia gratificante, inspiradora y desafiante a partes iguales: una tormenta perfecta de creatividad y emoción que da como resultado música realmente buena. En cuanto toca su primera nota, te das cuenta de que estás en presencia de un auténtico maestro de la guitarra.
Con cinco nominaciones al Grammy, una carrera en solitario de tres décadas y un currículum que incluye a Miles Davis, Joni Mitchell y George Harrison, sus logros reflejan la versatilidad y musicalidad de alguien que ha seguido su verdadera vocación. Durante una actuación en directo, Robben está muy atento, se alimenta de la energía del público y está totalmente preparado para lanzarte una bola curva en cualquier momento. En otras palabras, es una experiencia que no te puedes perder.
En 2018, este californiano de larga trayectoria se mudó a Nashville en busca de una nueva inspiración musical. Ford, que fue acogido por la escena local y por su colega guitarrista Vince Gill, está feliz de encontrar un nuevo hogar en este ecléctico crisol musical. Ford, un ávido compositor con inclinación hacia la producción, se destaca por pasar tiempo en el estudio y trabajar en una variedad de proyectos. Esta nueva era de producción creativa lo presenta a él al mando, destacando tanto a artistas emergentes como a algunos de los mejores instrumentistas que la “Ciudad de la Música” tiene para ofrecer.
Un componente importante y esencial de la carrera de Robben es su compromiso con la enseñanza y la transmisión de lo que ha aprendido durante los últimos 40 años a los músicos actuales y futuros. Sus videos instructivos y clínicas durante este tiempo han culminado en una colaboración con TrueFire y el nacimiento del Robben Ford Guitar Dojo . La riqueza de su experiencia y creatividad se presenta generosamente en estas producciones de vanguardia y lo seguirá haciendo durante muchos años.

Anthony Lazaro es tu antídoto musical contra el estrés de la vida diaria. Este italiano residente en Berlín hace equilibrismo sobre una cuerda suspendida entre el R&B, el indie-folk y el jazz-pop: a lo largo de un recorrido de 7 álbumes y 6 Eps en el lapso de 4 años, Lazaro ha creado un microcosmos musical propio, que ha acumulado más de 80 millones de reproducciones en Spotify.
“Quiero crear canciones con las que la gente pueda identificarse. Relajarse. Divertirse. Mi objetivo más ambicioso es poder transformarme en géneros e influencias, sin perder mi propio sonido y estilo. Algo que admiro en todos mis mitos musicales”.

Kronos Quartet es el más revolucionario cuarteto de instrumentos de cuerda del mundo. Un conjunto musical que nació para revolucionar por completo la forma de entender la música y que en 2023 celebraron sus cincuenta años. Cuando el 1 de septiembre de 1973 se produjo el primer ensayo de Kronos Quartet, cuarteto de cuerda ideado y liderado por el violinista David Harrington (Portland, Oregón, 1949), no solo se puso en marcha una miniorquesta de cámara de cuerda, sino un experimento holístico transformador que revitalizaba un tipo de formación nacido en el apogeo de la música clásica. Gracias al Kronos Quartet se comenzó a crear un repertorio completamente nuevo, mucho del cual fue compuesto expresamente para ellos por la flor y nata de los músicos minimalistas y posminimalistas estadounidenses: Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, Michael Gordon o Laurie Anderson. Pero hay más, ya que el grupo asentado en San Francisco ha abordado versiones para cuarteto de cuerda de piezas rock de autores que van de Jimi Hendrix a Trent Reznor, pasando por Sigur Rós o Pete Townshend, por no hablar de sus incursiones en músicas ajenas al entorno blanco y eurocentrista como la africana, la mexicana o la argentina, con un álbum de piezas compuestas por Astor Piazzolla para el cuarteto. Además, claro, de sus aproximaciones a la tradición musical de Oriente Próximo, India y China o al universo jazz.
 

¿Alguna vez os habéis sentido como si asistierais a la escenificación de la banda sonora de una película que no existe?  ¿Cómo si se os presentara en directo el imponente soundtrack de un film imaginario? ¿Cómo si fuera la música de imágenes aún por diseñar?  Pues así es como suenan las composiciones del trío británico Gogo Penguin, con una emotividad y un poderío cinemático que apenas necesita palabras para sorprender con su original apuesta que fusiona diversos estilos, en un formato que va de lo acústico a lo electrónico. El pianista Chris Illingworth, el contrabajista Nick Blacka y el batería Jon Scott, todos músicos de Manchester que apenas rozan la treintena, son admiradores de la música clásica. Pero se han criado en la era de la explosión del tecno inteligente y del drum’n’bass. Por eso no es de extrañar que combinen su admiración hacia una escuela minimalista que va de Debussy a Phillip Glass con una jungla de ritmos sincopados que recuerda a Goldie, Aphex Twin y Massive Attack. Pasado y presente. Tradición y vanguardia. Una fusión imbatible.

Existe consenso entre la prensa, programadores, público y sus propios colegas en señalar a Marco Mezquida como una de las apariciones más brillantes y prometedoras en la escena musical europea y un artista destinado a conquistar cualquier escenario imaginable en el mundo.
Nacido en Menorca en 1987, ha grabado más de veinte discos liderando sus propios proyectos, y cincuenta discos más siendo miembro de algunas de las mejores formaciones de la escena nacional. Entre sus proyectos como líder destacan sus discos Ravel’s Dreams, Talismán y Letter to Milos, a trío con Aleix Tobias y Martín Meléndez; su alianza con el guitarrista flamenco Chicuelo en los discos Conexión y No hay dos sin tres, sus conciertos a piano solo, los dúos junto a Silvia Pérez Cruz, Andrea Motis y Salvador Sobral, el proyecto “Piano + AI”. En paralelo, Mezquida ha desarrollado proyectos sinfónicos: su reinterpretación de Rhapsody in Blue con orquesta y trío de jazz, y la creación y el estreno en 2023 de Talaiot, su Concierto para piano y orquesta, estrenado en el Palau de la Música. Ha colaborado, además con artistas legendarios, como Lee Konitz y Dave Liebman.
Mezquida ha presentado sus proyectos en algunos de los escenarios más relevantes del mundo: Festival de Jazz de Tokyo, North Sea Jazz Festival, Jazzaldia, Elb Philharmonie, Wiener Konzerthaus, Jazzopen Stuttgart, Bozar, Palau de la Música Catalana, Kölner Philharmonie, Castell de Peralada, Parco della Musica de Roma, Auditorio Nacional de Madrid, Hong Kong Arts Festival, Blue Note Tokyo, Bimhuis, por nombrar unos pocos

Ha sido galardonado con los BMW Welt Jazz Awards (jurado y público), Premis Alicia, Premi Ciutat de Barcelona, 6 premios Enderrock a mejor disco del año y ha sido elegido Músico del Año por la Asociación de Músicos de Cataluña en cuatro oportunidades.